L'album éponyme - Temple of the dog

Mars 1990, une figure de la scène musicale de Seattle vient de disparaitre. Il s’agit Andrew Wood chanteur charismatique du groupe Mother Love Bone et de Malfunkshun.
Une étoile qui s’éteint à l’âge de 24 ans qui suite à une overdose ne connaîtra jamais la gloire et un peu grâce à lui, ce mouvement grunge sorti de sa ville pour conquérir la planète.

Chris Cornell vient de perdre un ami, Andrew et lui partageait le même appartement. Terriblement affecté par cette disparition, il veut lui rendre un dernier hommage en composant 2 titres « Say Hello to Heaven » et « Reach down ».

Chris Cornell n’est pas un jeune premier. Il est reconnu et a déjà 2 albums à son actif avec son groupe Soundgarden. Mais ces deux nouvelles compositions assez personnelles ne seront pas intégrées au répertoire puisque un peu différentes dans le style.
Son idée est juste de sortir ces 2 titres avec l’aide de quelques potes du milieu. Il envoie donc sa démo aux ex-Mother Love Bone, le guitariste Stone Gossard et le bassiste Jeff Ament qui en ce moment même sont en train de monter un nouveau groupe…. Pour la partie batterie, il reste sur du sûr avec Matt Cameron le cogneur de son groupe.

Tout le monde est si emballé du projet que Gossard et Ament proposent d’emblée au nouveau guitariste de leur groupe (pour le moment nommé Mookie Blaylock) de se joindre à eux. Il s’agit d’un bon soliste et se nomme Mike McCready.
Pendant les répétitions et cet enregistrement prouesse de 15 jours se trouve aussi, en spectateur Eddie Vedder un jeune surfeur de San diego tout juste arrivé sur Seattle pour être embauché par les 2 ex-Mother Love Bone.

C’est bon vous suivez ?…. En gros l’idée de Cornell s’est amplifiée.
Un deux titres-tribute est vite devenu un véritable album de part la contribution, la motivation et la valeur ajoutée des musiciens rajouté à son projet.
Cette transformation était vite devenue une évidence pour tout les acteurs de cette réunion. Ce super-groupe prendra le nom de Temple of the dog quatre mots tirés d’un titre de Mother Love Bone, « Man of Golden Words ». Un hommage ultime à cet ami disparu.

Un seul album éponyme ressortira de cette rencontre le 16 avril 1991. Il n’eût pas le succès escompté, mais ce n’était pas le but. Puisque avant tout c’était une envie de contourner une période triste et troublante avec ce qu’ils savaient faire de mieux. Des textes et de la musique. Tout cela pour ne pas oublier.

Soundgarden continua sa route avec l’enregistrement de « Badmotorfinger » puis Pearl Jam fût mis en place très vite pour enregistrer son premier album Ten. La suite artistique et grandissante pour ces 2 groupes nous la connaissons tous.
Le label A&M devant ce succès en profita donc pour remettre l’album Temple of the Dog sur le devant de la scène. Disque qui deviendra aussitôt disque de platine avec plus d’un million d’albums vendus aux Etats-Unis.

Cet album est une blessure au son saturé possédant une très forte magnitude. Tourmentés ou calmes, les morceaux souvent longs, se frayent un chemin à destination de vous heurter. On peut en ressortir en ayant mal à l’écoute de ces textes aux émotions authentiques, à l’écoute de ces oraisons funèbres, à l’écoute de ce désespoir… Mais pas seulement, puisque une lueur, une perspective positive se cache derrière cette lutte des mots. On en ressort touché.

Le décor est planté avec l’ouverture du titre « Say Hello 2 Heaven » une façon saisissante pour Chris Cornell d’envoyer un puissant message à son ami et où sa formidable performance vocale va crescendo (peut-être jusqu’au Paradis..).
Arrive ensuite « Reach Down » titre de 11 minutes voulu par Cornell. Qui d’après ces dires est un véritable Fuck You à ceux qui déteste les solos de guitares. Dans un registre rock seventies, il s’agit là, d’un trip qui après les 5 premières minutes vous emmène dans une épopée où le débutant Mike Mc Ready exploite chaque notes de sa guitare. La légende retiendra qu’à la moitié de l’enregistrement de cette partie, le guitariste envoya valser son casque et continua dans sa lancée enragée. Poussé à bout par les autres derrière la vitre du studio, il a fait l’exploit de sortir de sa cage et de pondre ce chorus improvisé sans être capable d’entendre la piste d’accompagnement. Ce titre est aussi une ode à savoir tenir son public. Chose dont Andrew Wood était expert en la matière.

Le troisième titre « Hunger Strike » est le single de cet opus. Un certain Eddie Vedder arrivé la veille de San Diego pour rejoindre le nouveau groupe de Ament-Gossard traînait dans le studio.
Regardant et écoutant le travail de Cornell qui tout seul, s’essayait à faire des vocalises sur des doubles voix sur différentes harmonies graves/aigus. Le futur chanteur de Pearl Jam pris une décision spontanée qui marquera l’histoire du grunge. Un peu timidement et avec un peu de culot aussi, il passa derrière lui et par dessus son épaule lui souffla avec son timbre de voix la solution que Cornell s’essayait à rechercher… I’m going hungry (going hungry)
Le chanteur de Soundgarden estomaqué face à ce potentiel décide d’inclure sur le champs le nouveau venu. Voyant même plus loin la chose, puisque ce morceau étant construit sur un seul couplet… il se dit super on le chantera chacun notre tour et ça le fera car tu as la voix !
De ce duo naîtra une forte amitié. Cornell représentant une sorte de guide pour ce jeune californien un peu largué dans cette nouvelle ville où il ne connaît personne.
Au niveau médiatique « Hunger Strike » est un des premiers vidéo-clip du mouvement musical de Seattle réunissant par dessus tout, les deux plus belles voix de cette cité.
Gossard et Ament remarquerons de suite qu’ils ne se sont pas trompé quand au choix de ce jeune chanteur en écoutant l’enregistrement de « Hunger Strike ».

L’heavy « Pushin Forward Back » arrive en quatrième place sur les plages de ce disque on se rapproche ici plus de Soundgarden.
Suite de l’histoire avec le mélancolique « Call me a Dog » où se mêle piano et solo de McCready entremêlé au beau chant de Cornell.

Le sujet douloureux de la drogue qui a fauché leur ami est raconté sur « Times of Trouble ». Un titre repris et modifiée au niveau des textes par Pearl Jam plus tard avec « Footsteps ».

Cornell utilise ensuite sa puissante voix pour se moquer ensuite de la religion sur « Wooden Jesus » puis on poursuit l’exploration avec « Your Savior » qui est le deuxième titre heavy encore dans la lignée Soundgarden avec un très bon riff entêtant… A la différence de « Four Walled World » qui est plutôt dans un registre « calm’blues » assez obscur mais où les guitares et les voix se taillent encore une belle part de cette galette.

Le terminus de ce trip se nomme « All Night Thing » et fini donc en beauté sur une berceuse typée gospel où tranquillement Monsieur Cornell chante « Une chose de toute nuit ». Il sait que c’est le dernier titre qui finira l’album et satisfait de son travail nous le sommes avec lui aussi. Je dis cela à ceux qui savent écouter cette œuvre.

Tracklist

1- Say Hello 2 Heaven
2- Reach Down
3- Hunger Strike
4- Pushin Forward Back
5- Call Me a Dog
6- Times of Trouble
7- Wooden Jesus
8- Your Saviour
9- Four Walled World
10- All Night Thing

La raison ou les raisons pour laquelle je prend plaisir à réécouter cet album :
Pour la magie et la fusion de ces 2 groupes de Seattle qui nous proposent ici une très bonne musique mais dans un registre un peu différent de leur devenir.
Les diamants sont éternels….. Temple of the dog est un beau voyage musical mais surtout un bel hommage de la part de ces amis à ce fabuleux chanteur qu’était Andrew Wood. Et beaucoup ne savent pas que ce disque dans l’histoire du rock américain fût un propulseur pour ces 2 formations qui sont toujours là, même vingt ans après. C’est donc aussi un peu, beaucoup, passionnément grâce à lui.

Un titre : « Hunger Strike » 2 grandes voix du rock rassemblées sur un morceau d’un seul couplet.

Et pendant ce temps là en 1991 au pays des fans de Johnny on écoutait :
La Désenchantée Mylène F., la folie Liane Foly, Kaas, Paradis… On écoute aussi des titres plus couillus grâce à nos principaux rockeurs et frontmans hexagonaux comme Place des grands hommes, Qui a le droit ? de Bruel. On planne sur les arpèges d’Hélène du voisin canadien Roch.
And the last but not the least : La Zoubida du number one Lagaf’ qui cartonne à tout va dans la joie et la bonne humeur de nos chers compatriotes. … Que du Bonheur.
C’est aussi en cette fin d’année 91, qu’un certain Freddie Mercury, commence à préparer ses valises pour partir chanter dans un autre monde. Cela rehaussera cette année là le niveau et le paysage musical radiophonique en France. « Le Spectacle doit continuer » …

Visuel de l'album The Ultra Zone de Steve Vaï

Dans ma chronique “Honey Rock” il est pas mal question de guitares. Ce qui est un peu normal cet instrument ayant principalement participé à l’ascension de ce vaste style musical.

Steve Vaï est un de ces acteurs de la 6 cordes, parfois 7 aussi.
Un Grand musicien virtuose de part son statut et de sa taille et cela même jusqu’à celle de ces doigts. Certains voient même en lui un extra-terrestre.
Mais que l’on soit guitariste ou non, il ne nous laisse jamais indifférent face à l’écoute des gammes et accords sortis de son cerveau bouillonnant d’une énorme créativité sonore…
On aime ou on aime pas son impressionnant style, mais il faut savoir reconnaître le génie quand il est là. Point barre.

Pour finir en beauté ce XXème siècle et faire décoller ces auditeurs dans le suivant, le guitariste nous sort ce voyage musical qu’est The Ultra Zone.

On remarque de suite à son écoute ce son très travaillé, ces nouvelles ambiances, ces nouveaux rythmes et arrangements où s’entrecroisent électronique, world-music, ardeur et finesse.

Un disque mêlé de passé, présent et avenir où Steve Vaï en profite pour rendre deux hommages. Un dédié à son mentor “Franck” ZAPPA , un autre à Stevie Ray Vaughan avec cette énergie très rock’n'roll qu’est “Jibboom”.

L’opus s’ouvre sur l’éclatant « Blood & Tears« , belle composition attirante dès le départ. Aux sons et voix qui se bousculent de façon efficace. Un tel titre ne peux ouvrir qu’un trésor…

… Qui s’ouvre ensuite sur un enchaînement d’inévitables instrumentaux où toutes les facettes du maestro sont représentées. Rappelons ici que Steve Vaï est un guitariste chef de file incontournable qui aura donné du fil a retordre à pas mal d’aspirants 6-cordistes sur cette terre.
Personnellement, je ne lui demanderai pas de changer son style car c’est en grande parti ce qui le rend aussi grand que lui.

Il n’y a qu’a écouter, entre autre, le vibrant “Windows To The Soul” ou bien le solo sur “The Silent Within” pour se dire qu’un gars comme lui, nous désappointe et nous renverse totalement en matière de phrasés impossible à recréer sous nos doigts et cela même avec un effort de travail titanesque.

Dans la deuxième partie de “The Ultra Zone”, le maître des lieux prend ici ces habits de chanteur assumé. Un bon feeling ressort de ces nouveaux titres chantés qui les place dans un niveau supérieur à ceux qu’il avait fait sur le précédent. Un pari donc réussi.

L’opus se referme sur l’incroyable “Asian Sky” dans lequel collabore Koshi Inaba et Tak Matsumoto d’un groupe superstar au pays du soleil levant B’z.

Pour finir “The Ultra Zone” est en lui seul un très bon résumé du style Steve Vaï et ce disque propose un bon compromis si on souhaite découvrir son univers.

Tracklist
1 The Blood & Tears
2 The Ultra Zone
3 Oooo
4 Frank
5 Jibboom
6 Voodoo Acid
7 Windows To The Soul
8 The Silent Within
9 I’ll Be Around
10 Lucky Charms
11 Fever Dream
12 Here I Am
13 Asian Sky

La raison ou les raisons pour laquelle je prend plaisir à réécouter cet album :
Ayant suivi toute sa carrière, je trouvais que le bonhomme à la fin de la décennie des années 90 s’essoufflait un peu. Il est sur qu’il était difficile pour lui de refaire un novateur “Passion & Warfare”. Et cela malgré son indéniable talent, ses tentatives de monter un vrai groupe, ses premiers essais au chant sur “Fire Garden”…
Voila que toutes ces propriétés se retrouvent ici condensées et magnifiées dans “The Ultra Zone”.

Ornée de cette belle jaquette colorée dans un style futuriste et progressif à la Yes, j’y retrouve de suite, toutes les directions musicales entreprises jusqu’alors par le bonhomme.
Que ce soit dans un style Zappa comme sur ses premiers albums solos “Flex-Able” “Flex-Able Leftovers”. Que ce soit dans sa façon de vous mettre une grosse claque avec un album de virtuosité technique centré guitares comme sur “Passion and Warfare” ou bien et il le fait plutôt bien aussi, dans le poussage de chansonnette comme sur “Fire Garden”.

Sorti en cette fin d’année 1999, “The Ultra Zone” sortait vraiment du lot.
Je fût donc récompensé de cette attente en trouvant à son écoute, une nouvelle fraîcheur dans le son et surtout bluffé une fois encore par ces hallucinantes phrases musicale qui entourent ce disque encore et toujours magique.

Un titre : Oooo trop bizarre celui là, jusqu’au titre. Mais encore une fois quel thème et quel solo !

Et pendant ce temps là en 1999 au pays des fans de Johnny on écoutait :
Allez tous ensemble comme en 99 !!
3,..4.. Il est venu le temps des cathedraaaaaaaaa…les ! Le monde est entré, Dans un nouveau millénaire… etc..etc…
Haaa “Notre dame de Paname”, Vous aimiez ça les froggy’s, hein ? avouez.

En fait, c’était le début de l’Enfer pour nous, avec cette relance de comédies musicales populaire.
Les véreux producteurs n’avaient pas fini de nous gaver avec ce filon mercantile ressorti des fagots. Mais les salles étaient comble grâce aux moutons qui étaient bien derrière et qui ont suivi paisiblement ce qu’ils considéraient comme de la grande musique… Le sort en était joué pour nous.

Tiens en parlant de grande musique nous avions le fameux “petit bonhomme en mousse” de Patrick Sébastien. L’éclate complète !! Hein ? avouez.
Nous voulions aussi “Aller plus haut” avec Tina Arena mais sans moi qui préfère rester terre à terre dans ces conditions là.

Vite fait ne passons pas à côté de La grande Céline se larmoyant sur “S’il suffisait d’aimer”. Puis, et c’est là que l’on voit que tout peut arriver ! Voici qu’arrive cette fusion magistrale pour l’histoire de la chanson française entre Emile et Images qui nous dépoussière leur “Jusqu’au bout de la nuit”. Que du bonheur. car on en a tous rêvé. Hein ? avouez.

Le number one de cette année là restera quand même le trémoussage de vos derrières sur “Mambo n°5” d’un certain Lou Bega et direct ça boulégue dans les chaumières.

C’est drôle des fois j’ai vraiment l’impression de ne pas faire parti de ce monde. Oui, je l’avoue.

L’an passé on lançait cette idée un peu folle de réunir des twitterriens pour prendre le contrôle du blog durant tout le mois de Décembre. Et qui dit Décembre dit calendrier de l’avent !

Cette année on remet le couvert et pour cette 2ème édition on vous a plus que gâté avec 24 participants qui vont ravir vos cages à miel. En attendant le 1er jour de Décembre, régalez-vous avec le teasing créé pour l’occasion :

Avec par ordre d’apparition :
- Chaufforeille
- Walter Wizman
- Stazz
- La boite à Flo
- Faux Geek
- Chien Bleu
- Simon H
- Romain
- SP4NK
- Rock_0la
- Monsieur Trop Doux
- Julien Caillot
- Geeksterz
- Salt Peanuts
- Paul Shizzle
- Hedia
- Al_John_
- SemaGeek
- Bulléine
- Fadhila Brahimi
- eGilb0n
- Spry
- Jean Zeid
- Ballajack

La musique est de Awolnation avec le titre Sail.

Vous pourrez suivre le calendrier sur le blog qui prendra une forme particulière à partir du 1er Décembre.
L’ensemble sera aussi à suivre sur les différents comptes de la team MoiMateo.
Et enfin, vous pourrez découvrir de nombreuses révélations sur la page fan de l’équipe : facebook.com/…/MateoBand/

Derrière le nom de ce groupe et de ce disque au visuel sobre représentant la tête d’un lion blanc, nous avons 4 musiciens au look permanenté dans un style musical Hard Rock Fm made in USA. Comme il s’en faisait beaucoup à la fin des eighties.

White Lion - Pride (1987)

White Lion est donc un groupe de plus, aux pantalons « dentifrice-moule-burne ». Mais celui-ci aura juste la pointe de talent / travail et peut être aussi une certaine chance qui lui permettra de se hisser et de sortir du lot.

Une ancienne croyance africaine affirme que de croiser ce digne et noble animal porterait bonheur… Et pour cet american band de la scène de la grosse pomme (N-Y) qui galère quand même un petit peu, le bonheur et la consécration mondiale arrivera en 1987 avec la sortie de ce deuxième album produit par Michael Wagener et signé chez Atlantic records.

Nous avons ici un hard rock mélodique qui vibre autour d’un savant mélange entre Bon Jovi qui commence à percer et Van Halen mais avec un chant bien meilleur.
Constitué de chansons formatées pour un conditionnement tubesque pour passages radios azimut à la sauce MTV. (Je parle ici de passages aux states bien sûr, pas dans nos oreilles de grenouilles – voir pour cela mon paragraphe rétrospective de l’année musicale française ci-dessous)
« Pride » culminera au numéro 11 dans le Billboard 200 en y restant une année complète avec deux millions d’exemplaires vendus rien qu’aux Etats-Unis.
Ces rotations continues classeront le single « Wait » en 8ème place dans le Bilboard hot 100 ainsi que la ballade accoustique « When the Children Cry« , qui se hissera en 3ème place durant l’année 1988.
Vitto Bratta sera quand à lui, élu meilleur nouveau guitariste de l’année.

Fort de ce succès grandissant, le groupe partira en tournée avec Kizz, Aerosmith, Ozzy Osbourne… et ouvrira même pour ACDC sur la grande tournée américaine « Blow Up Your Video ».
Pour finir ce palmarès, sachez que « Pride » fait aussi parti des 20 albums de hard rock à avoir eu de multiples titres classés dans le Top 10.

Pour comprendre ce résultat, il faut savoir que derrière la crinière de ce lion blanc qui rugira et griffera la terre entière avec sa musique se cache 4 musiciens et pas des moindres.

Pour la partie rythmique : Nous avons le costaud Greg D’Angelo qui fut le premier batteur d’Anthrax de 1981 à 1983. Après White Lion, il rejoindra Ace Frehley’s et fera parti de l’aventure Pride & Glory avec Zakk Wylde mais de façon rapide puisque remplacé par Brian Tichy pour l’enregistrement du projet.

Le Bassiste James LoMenzo fera également parti de ce projet. Mais sera présent aussi dans l’escapade solo du guitariste blondinet qui n’a pas encore son look de biker (nous sommes dans la période de l’excellent « Book of Shadows »).

Son CV s’en suivra avec Slash’s Snakepit, un passage dans David Lee Roth’s, puis Black Label Society encore et toujours avec avec son pote Zakk Wylde pour finir sur une belle touche finale dans Megadeth.

Au chant, nous avons Mike Tramp. Un danois au joli minois qui a représenté en 1978 son pays à L’Eurovision avec son groupe « Mabel ». Ayant atteint une certaine popularité en Scandinavie et même en Espagne, Mabel s’essayera sans succès dans l’aventure américaine.
C’est donc à New York, suite à l’effondrement de sa tour de Mabel que le chanteur rencontrera un talentueux guitariste au doux nom de Vitto Bratta…

Dans la jungle, terrible jungle, du rock business new yorkais, le lion blanc est né ce soir…. …ouimbohé.

Tracklist
1. Hungry
2. Lonely Nights
3. Don’t Give Up
4. Sweet Little Loving
5. Lady of the Valley
6. Wait
7. All You Need Is Rock ‘n’ Roll
8. Tell Me
9. All Join Your Hands
10. When the Children Cry

La raison ou les raisons pour laquelle je prend plaisir à réécouter cet album :
C’est en ayant lu dans un magazine spécialisé, une critique élogieuse de ce disque que je cours acheter ce joli disque au format 33 tours tout blanc.
Étant guitariste, Vito Bratta fut une sacrée découverte car c’est un artiste fin et subtil et chose très importante toujours au service du morceau dans son jeu de guitare.

6-cordiste à la technique impressionnante, aux rythmiques funs et inventives. Il possède un style qui se rapproche des pianistes quand ceux-ci accompagnent une chanson.
Des nappes, des arpèges, des éclats, des clins d’oeil qui se détachent de la voix du charismatique danois et de l’efficace rythmique bastonnante même si on est dans le hard fm !

Le White Lion de cette époque était un groupe qui assurait vraiment et surtout en live.
Je possédais une vidéo de leur prestation au Ritz de New York. Un concert enregistré sur K7 VHS mais maintenant à la bande usée, tellement je bloquais sur ce guitariste humble qui a préféré arrêter sa carrière pour s’occuper de son père gravement malade. La version live de « When the Children Cry » en vidéo sur cette page fait partie de ce concert inscrit dans la légende du Ritz.

24 ans après, c’est toujours avec plaisir que je replonge dans les mélodies tendres et fortes de ce Lion Blanc.

Un titre : « Lady of the Valley », sublime pour ces paroles et son envolée.

et pendant ce temps là en 1987 au pays des fans de Johnny on écoutait :
« C’est… » toujours quelque chose ! surtout ici…
Le groupe Léopold Nord et Vous chantent « C’est l’amour » et « C’est La Ouate » est chanté par Caroline Loeb.
Elsa et Francis se répondent avec 2 Bande Originales et écoutez moi cela : « T’en vas pas ! » et « On Se Retrouvera » … Restons encore ensemble accroché sur ces charts de misère made in france et appréciez la qualité d’un ‘Viens Boire Un Petit Coup À La Maison’ Boudu con ! c’est autre chose que les rythmes latinos de « La isla bonita » et de « la bamba » qui cartonnent cette année là.
Et ces nouvelles pimbêches qui nous harcèle les oreilles avec « Ève lève-toi », « Joe le taxi », « Sans contrefaçon / Tristana »
Moi, je le dis – Pietri et la Farmer c’est pas le Paradis.
Luna Parker et ses épuisants jeux de mots nous soûle avec « Tes états d’âme Éric »
Les mecs ne sont pas en restes non plus avec un Stéphane Eicher scandant « Combien de temps? » et Gérard Blanc chantonnant « Une autre histoire ».

Pochette du Live We want Moore (1984)

Vous avez ici, un bon compromis pour connaître la période “début-milieu” des années 80 du guitariste. En effet avec ce live, dans un style hard rock, nous avons une très bonne rétrospective couvrant l’ère où l’irlandais venait de sortir entre autre Corridors of Power (1982) et Victims of the future (1983).

C’est un de ces albums franc et direct qui vous fait regretter que vous auriez pu être dans le public ce soir là. Un de ces disques qui à son écoute peux vous donner le “smile”. Ne vous laissant jamais de marbre devant autant de capacité technique et de sens mélodique d’un grand artiste à cette époque trop sous-estimé.

Entouré de son groupe, dont Ian Paice le batteur de Deep Purple sur une grosse partie des titres, “We want Moore” regroupe toutes les meilleures chansons de cette époque.

Ici, elles sont effectivement jouées de façon époustouflantes avec des arrangements combinant le déchiquetage et les mélodies tant au niveau guitare que chant.

Il faut dire que le maestro n’en est pas à ces premières armes puisqu’il a commencé dans les seventies en tâtant le blues rock, le jazz rock, un passage dans Thin Lizzy etc…
Cet opus permettra donc de hisser le personnage au rang des guitar hero à côté d’un Eddie van Halen et cela avant le grand déballage des Yngwie Malmsteen et des Six-cordistes doit sorti des écuries américaines comme Mac Alpine, Joe Satriani, Steve Vaï… Toute une suite dans ce circuit qui s’apprête à conquérir le monde de la musique.

Avec cette fabuleuse et déroutante aisance dans son jeu qu’il soit très rapide ou bien dans la mise en forme de dangereux riffs, Gary Moore est ici plus féroce que jamais.

Une facette, que je vous invite expressément à découvrir puisque sa carrière ne se résume pas à la période blues ou à la tenue d’une note (sustain) sur “Parisienne Walkways”.

Certains seront aux vues des vidéos mises en ligne sur le web, rebutés par le côté visuel et scénique très eighties et c’est pour cela que j’insisterai sur le fait d’ECOUTER ce disque en rendant hommage à cet irlandais, avec une bonne bière à la main et les watts poussés au max !

Tracklist

1. Murder In The Skies
2. Shapes Of Things
3. Victims Of The Future
4. Cold Hearted
5. End Of The World
6. Back On The Streets
7. So Far Away
8. Empty Rooms
9. Don’t Take Me For A Loser
10. Rockin’ And Rollin’

La raison ou les raisons pour laquelle je prend plaisir à réécouter cet album :
Parce que « We want Moore » est un disque intense pour ceux qui aime la guitare et le hard rock des années 80. Nous retrouvons sur ces 10 titres des prestations accomplies et rageuses. L’excellence d’un musicien dans cette période peut être moins connue par le grand public.

Mais surtout ici nous avons droit à des solos dévastateurs ainsi que des interventions guitaristiques inspirées jouées principalement sur Fender stratocaster.

Car à cette époque, le Maestro n’a pas encore endossé presque de façon définitive la marque Gibson. Nous sommes ici loin de son très bon son bluesy qu’il adoptera par la suite.

Et de toute façons, tous les sons sont bons quand ils sortent de ses doigts. C’est pour cela que j’aime et prend plaisir à écouter du Gary Moore, quelque soit son style où sa période.

Un titre : 2ème titre de l’album qui déboule et fait suite à l’énergique “Murder in the skies” Gary Moore choisis une reprise des Yardbirds. Good Choice ! car il dresse ici un solo de guitare à couper le souffle. Dévoilant au public de Detroit, ces compétences et par la même occasion se hissant au niveau des plus grands. “Shapes of Things” demeure une des meilleures, sinon la meilleure reprise des Yardbirds.

Et pendant ce temps là en 1984 au pays des fans de Johnny on écoutait :
On s’excite et on se dandine sur « Wake me up before you go-go » d’un groupe ultrabrite.
On rêvasse sur « Besoin De Rien Envie De Toi » de Peter & Sloane band et ça donne vraiment pas envie de bander…
On ne passera pas à côté d’une chanson qui m’endort « Maman a tort » d’une certaine Mylène.
Il y a aussi ce groupe style baloche, un groupe d’un seul tube nommé Cookie Dingler qui cet été là, fera danser et chanter sur des paroles audacieuses les français dans leurs campings avec leur « Femme libérée ». Finissons ce petit déballage avec Julien Clerc qui met le mot “Rockeur” à la mode de chez nous avec “Coeur de rocker” avec ce fabuleux couplet “J’ n’ aimais pas beaucoup l’école, J’ ne vivais que pour mes idoles, Yeah, yeah ,yeah”.
Ces 3 derniers mots faciles furent pour moi comme un appel a éviter et à ne pas s’attarder sur la variété française cette année là. Go, Go, Go !

Album de Led Zeppelin - BBC Sessions (1997)

Dans les années 90, la BBC recherchant de nouveaux gains, se prononce à concéder des licences à tous les artistes qui étaient passés sur son antenne. Ils avaient maintenant la possibilité de sortir un CD de ces sessions devenues mythique.

Des pirates du passage du “Dirigeable” dans ces studios circulent depuis longtemps mais la qualité n’y est pas.
En 1997, Jimmy Page en pleine forme suite au succès du projet et de la tournée PAGE/PLANT est heureux d’avoir enfin la main sur ces bandes.. Il se décide donc à produire et à remasteriser cela. De plus, le dernier live officiel « the song remains the same » datant de 1976 ne ressemblait pas vraiment à ce que l’on pouvait attendre de Led zeppelin et les fans attendent cela depuis 20 ans.

Ce double disque est donc une compilation live de la période début 1969 jusqu’à 1971. Période très acharnée pour le groupe et très créative.

Sur le cd 1 nous avons donc 74 minutes de musique avec 14 titres live enregistrés de mars à juin 1969. Des reprises mais aussi des morceaux d’anthologie tirés des albums Led Zeppelin I et Led Zeppelin II.
Le résultat est une explosion sonore,naturelle, cosmique et spontanée d’un mariage entre le blues, le folk et le rock traditionnel.

Sur le cd 2, nous avons un concert complet du 1er avril 1971 au Paris Theater de Londres. Un lieu appartenant à la BBC utilisé pour la radiodiffusion mais aussi pour des enregistrements.
Pour rappel, Le précédent live était un mixage de 3 soirs différent.

Dans la chronologie du groupe, le quatrième album n’est pas encore sorti. Celui-ci sera disponible dans presque 8 mois. Mais nous avons ici un moment magique avec la première apparition de « Stairway to heaven » en public qui ne réagit d’ailleurs pas quand Page joue les arpèges d’introduction. Celui-ci en ressortira bouche bée ce qui explique peut être ce court silence à la fin de la prestation suivi des applaudissements. On ne connaissait pas encore ce titre tout comme les autres. Prêtez juste une oreille à “Black dog “ introduit par le riff d’entrée de “Out On The Tiles” (Led Zeppelin III).

Grands moment aussi avec ce blues blanc qu’est “Since I’ve Been Loving You », la plannerie de 18 minutes de “Dazed and Confused”, le délicat et dévoilé ce soir là “Going to California”, “Thank You” et son exaltant solo final….

Ces 10 titres avec plus de 78 minutes de musique sont tout simplement un des meilleurs concerts de Led Zep enfin gravé.

Tracklist
disque 1
1. You Shook Me
2. I Can’t Quit You Baby
3. Communication Breakdown
4. Dazed And Confused
5. The Girl I Love She Got Long Black Wavy Hair
6. What Is And What Should Never Be
7. Communication Breakdown
8. Travelling Riverside Blues
9. Whole Lotta Love
10. Somethin’ Else
11. Communication Breakdown
12. I Can’t Quit You Baby
13. You Shook Me
14. How Many More Times

disque 2
1. Immigrant Song
2. Heartbreaker
3. Since I’ve Been Loving You
4. Black Dog
5. Dazed And Confused
6. Stairway To Heaven
7. Going To California
8. That’s The Way
9. Whole Lotta Love – medley
10. Thank You

La raison ou les raisons pour laquelle je prend plaisir à réécouter cet album :
Clairement, nous avons ici du très grand Led Zeppelin.
Puisque dans ce double cd, nous retrouvons les meilleures prestations live et optimale d’un groupe encore à ces débuts. Des performances qui regroupe les meilleures titres des 4 premiers albums. Où l’on y retrouve l’énergie, le talent, la fraîcheur, la spontanéité, la prise de risque, le largage azimut de covers qui rendent hommage aux créateurs qui ont construit le rock au travers du blues…

Un titre : Difficile bien sur de choisir, encore une fois, devant une œuvre qui dure 2h30 !
Mais ce sera la titre ouverture du CD2 avec ce gros son puissant qui déboule directement après une brève présentation du groupe par l’animateur radio. Voici le topo : « ….so welcome to LED ZEPPELIN » suivit dans la foulée de la trombe sonore qu’est “Immigrant Song”.
En ce jours de 1971, à ce moment là et devant un public restreint (moins de 400 personnes), le Hard-Rock est en train de se bonifier grâce à ces 4 jeunes chevelus.

et pendant ce temps là en 1997 au pays des fans de Johnny on écoutait :
Les français en prennent pleins les oreilles avec des leçons d’amour gueulées par Lara Fabian “Je t’aiiiiime!!!!!!!” (mince c’est autre chose que Robert Plant !) et Florent Pagny qui chante “Savoir aimer”. Nous avons aussi des pseudo-playboys nommés Ricky Martin “(Un, dos, tres) Maria” et David Charvet avec son titre “Should i leave “ dont tout le monde se souvient, enfin pas moi en tout cas !

La mémoire musicale gardera surtout qu’en 1997 au pays du saucisson “BBC Sessions” se classera à la 38ème place puisque devancé par le phénomène ridicule d’un autre type nommé “boys band” comme 2B3 et Alliage qui eux se hisseront au plus haut sommet des charts.

Pauvre moutons que vous étiez cette année là, pour la plupart , au pays du cochon….Dites-moi que vous avez honte maintenant.

Alors qui est ce groupe ? Pas grand chose à se mettre sous la dent. Un groupe de rock, parfois comparé à AC/DC, ouais bon en même temps, c’était dans une phrase qui disait que Oasis était les Beatles modernes… On peut dire ce que l’on veut.

Jet, c’est quand même 3.500 millions d’albums vendus juste pour leur 1er opus : Get Born. Album qui a été couronné par 8 disques de platines en Australie. Le titre phare, Are You Gonna Be My Girl fut même repris pour une pub Apple que vous avez certainement fredonné.

Le groupe ne s’est pas arrêté là. Jet sort en 2006 Shine On, second album qui n’aura pas autant de succès que le précédent. Puis en 2009 c’est au tour de Shaka Rock leur 3ème album. A priori le groupe n’arrive toujours pas à atteindre nos sensibilités françaises.

Coté scène, il n’y a pas à dire, le groupe envoie du lourd. Ils sont bluffants et la foule semble apprécier. A vous de juger :

Ils ont fait à 2 reprises le Fuji Rock Festival, sur la même scène que Wolfmother, Snow Patrol, Sonic Youth ou les Red Hot Chili Peppers en 2006 puis la même scène que Oasis, Patti Smith et juste avant Ben Harper en 2009.

Et pour en finir avec cette découverte, voici Jet en featuring avec l’inconnu Iggy Pop sur le track Wild One.

Un très bon groupe donc et je ne comprends pas encore pourquoi Jet n’arrive pas à plus percer… J’ai finalement découvert ce groupe grâce au projet latéral que Chris Cester et Mark Wilson vont sortir début Août. Son nom : Damn Dogs. Le son reste très rock mais avec des accents eighties et ce coté  » love, drugs and money  » d’habitude attribué aux groupes hip-hop / west coast !

En attendant, avec effervescence et impatience la release le 6 Août voici 3 démos qui vont vous mettre en transe… En particulier Cocaïne mais ça reste mon avis !

site officiel de Jet – une chaine Youtube géré par un fan – page Facebook du projet Damn Dogs

Ajoutons à ce palmarès, l’occupation dans le Bilboard 200 pendant 86 semaines, un Grammy awards gagné etc…

Tout cela fait de cet opus de 20 ans d’âge, une Œuvre Majeure dans la discographie d’Ozzy Osbourne…..et je ne pense pas qu’il ait fait mieux depuis, en terme de musique.

Sorti en 1991, Ozzy déclare que c’est son dernier album, qu’il y en aura pas d’autres. Une dernière tournée mondiale et puis basta ! Pour l’anecdote le live qui suivra se nommera No more tours !

Les années 80’s sont finies et il veux passer plus de temps avec sa famille. Ce quadragénaire est peut être aussi fatigué de tout le cirque entourant son personnage de Madman mangeur de colombes sur scène…

Pour finir en beauté sa carrière solo, il décide de s’entourer du meilleur et heureusement pour tout les métalleux du monde ce regroupement le conduira vers une recette gagnante. Recette inévitable qui le conduira à poursuivre encore sa carrière jusqu’à nos jours.

Ce 6ème album solo ne pouvait avoir que le Son. Avec Michael Wagener au mixage et Bob Ludwig au mastering. ET IL L’A !
Un son énorme mettant en valeur la qualité de ces compositions et bien sur le talent des musiciens qui l’entoure.
Zakk Wylde Guitar God, Randy Castillo derrière les fûts, John Sinclair et ses touches noires et blanches pour l’ambiance, puis la 4 cordes de Bob Daisley.

Ce dernier partira (ou sera remercié…) suite à l’enregistrement. C’est donc bien sa patte sur tout le disque. Écoutez ne serait-ce que la magistrale introduction du titre éponyme !
Aussi belle soit-elle, ces notes ne sont pas de lui. Puisque Daisley n’est crédité nul part dans le processus de création des titres. Il ne sera qu’un interprète.
Une chose est à peu près sure, ce fabuleux riff vient de son remplaçant Mike Inez futur “Alice in Chains” qui était souvent présent à l’enregistrement.
Lui sera aussi mentionné sur la pochette mais pour l’inspiration et la direction musicale…

Car Mike Inez est le bassiste officiel d’Ozzy Osbourne depuis 1989. Un statut gagné après avoir passé une audition parmi 50 prétendants.

Pour l’écriture, outre Wylde et Castillo, Ozzy aura un soutient de plus sur 4 titres en la personne de Lemmy le chanteur et bassiste de Motörhead. Cela ne pouvait donner que du largage de belles et puissantes bombes sonores dans nos feuilles.

Effectivement en octobre, à la sortie du LP…il a tout explosé.

Tracklist
1. Mr. Tinkertrain
2. I Don’t Want to Change the World
3. Mama I’m Coming Home
4. Desire
5. No More Tears
6. S.I.N.
7. Hellraiser
8. Time After Time
9. Zombie Stomp
10. A.V.H.
11. Road to Nowhere

La raison ou les raisons pour laquelle je prend plaisir à réécouter cet album :
Pour ma part, avant ce disque, j’aimais sans plus, les projets d’Ozzy en solo.
Peut être le live hommage à Randy Rhoads, mais c’est tout.

C’est en fait No more Tears qui m’a appris a apprécier sa terrible et unique voix.
La première fois que j’ai entendu ce disque, j’ai bien dû admettre que cette “machine organique” reconnaissable entre toute magnifiait d’excellentes compositions. Que ce soit dans le style ballades, mid-tempos groovy ou bien hymnes heavy que tu reçois comme un train en pleine face.

Aussi l’enchaînement remarquable des titres y est pour beaucoup.
Encore aujourd’hui, quel plaisir d’écouter cette suite de sons avec cet incroyable Zakk Wylde au sommet de son art qui nous pond ici et partout des riffs et des solos hors du commun. Peut être ses meilleurs.

Un titre : L’ambiance de No More Tears pour son intro basse et surtout un solo gigantesque.

Et pendant ce temps là en 1991 au pays des fans de Johnny on écoutait :
La “Désenchantée” Mylène F., la folie Liane Foly, Kaas, Paradis… On écoute aussi des titres plus couillus grâce à nos principaux rockeurs et frontmans hexagonaux “Place des grands hommes”, “Qui a le droit ?” de Bruel. On plane sur les arpèges d’Hélène du voisin canadien Roch.
And the last but not the least : “La Zoubida” du number one Lagaf’ qui cartonne à tout va dans la joie et la bonne humeur de nos chers compatriotes. … Que du Bonheur.
C’est aussi en cette fin d’année 91, qu’un compatriote d’Ozzy, commence à préparer ses valises pour partir chanter dans un autre monde. Cela rehaussera le niveau et le paysage musical radiophonique en France. “Le Spectacle Doit Continuer” et avec Monsieur Osbourne on sera servit pendant encore quelques décennies.

Main Offender - 1992

En 1992, sort le deuxième projet solo du guitariste des Rolling stones “Main Offender”. Une pause musicale personnelle qui est une suite à “Talk Is Cheap”. Ce disque d’or, qui date de 4 ans déjà et qui fut suivi par ce succès d’une tournée et d’un album live.
Keith va donc remettre le couvert….

Cette année là, ce manutentionnaire du rock ne veux pas donner l’exclusivité de sa fabrique de riffs pour l’usine à gaz qu’est devenue la machine “Rolling Stones“.
Il se la refait perso… Enfin pas tout à fait….

Reprenant la même recette gagnante de 1988, Il renfile son costume de producteur et rappelle ses vrais camarades de route pour encore se faire une partie de plaisir. Et chez Keith Richards, cela veux dire le Partage d’une musique entre amis, sans pression sans prise de tête.

7 mois de sessions et d’enregistrements entre la Californie et New York City.
Il nous est facile d’imaginer les répétitions enfumées….
Des esthètes à l’œuvre sous un brouillard développant leur savoir. Monsieur Richards fabriquant sa potion éternelle dans une collaboration écrite, amicale et musicale…

Octobre arrivera vite et le résultat est encore à l’image de ce prince du rock, Somptueux.
Mick Jagger ira même jusqu’à le féliciter lors de la sortie de son œuvre. c’est tout dire.

L’accueil fût bon et les critiques de “Main Offender” furent élogieuses. Mais malheureusement, il ne parviendra pas au résultat souhaité. C’est à dire de se mettre au dessus de la ligne tracé par “Talk is Cheap”.
A mon goût, son premier LP ne possède qu’un tube. “Main Offender “plusieurs…

“Auteur principal” sera donc vite effacé. Pourtant même après 20 ans, comme un bon vin il a le mérite d’être dégusté car ce deuxième coup d’essai est un vrai coup de maître … tiens en parlant de 20 ans.
Hey’ Keith ! cela fais presque 20 ans que tu n’as pas sorti un album solo !! On attend la suite de ce “Main Offender”…. Bon ok, en 2010 il y a eu “Vintage Winos” mais là ça, compte pas. Puisque c’est une très bonne compilation, mais dédiée surtout à ceux qui veulent te découvrir en solo..
Nous, on a déjà tes deux ou trois pépites dans notre discothèque et cela depuis longtemps.

Tracklist
1 999
2 Wicked As It Seems
3 Eileen
4 Words of Wonder
5 Yap Yap
6 Bodytalks
7 Hate It When You Leave
8 Runnin’ Too Deep
9 Will But You Won’t
10 Demon

La raison ou les raisons pour laquelle je prend plaisir à réécouter cet album :
Le meilleur des Stones s’amuse ici, sans pressions et sans guignol.
Keith Richards est ici, entouré de super musiciens et de vrais amis « The X-Pensive Winos ». Il en résulte donc un album frais et varié, passant de la ballade, au rock, au reggae (Écoutez la ligne de basse que Sieur Richards nous pond sur « Words of Wonder »)

Et surtout dès l’introduction de l’album, je prend plaisir à savourer la frappe et ce son de caisse claire de Steve Jordan !!… Certains la verront peut être trop en avant… moi non.

Mais Richards en a décidé autrement et je me dis que finalement c’est une très bonne chose de se prendre dans la tête ce superbe martèlement. car c’est Une assise implacable pour ce riffman à la voix de bluesman.

C’est un disque qui doit être écouté assez fort dans la voiture par exemple . Et surtout pas en qualité mp3 pour vraiment profiter de ce travail sur les sons, les couleurs et les panoramiques qui ont vraiment ici oute une importance même jusque dans les silences…..
et surtout vous passeriez à côté de la Musique.

Un titre : « Wicked as It Seems »

et pendant ce temps là en 1992 au pays des fans de Johnny on écoutait :
Les Polyphonies Corses et Brillant chantant « Suzette » m’ont bien pris la tête cette année là.
Notre johnny s’essaye toujours à atteindre des sommets dans le Rock en suivant les conseils que Keith Richards himself lui a promulgué il y a bien longtemps déjà, pour avoir…. la Voix.

Mais cette recette Gauloises et Bourbon efficace sur Keith ne sera pas du même effet sur notre froggy quand il chante en 1992 « Ca ne change pas un homme ».

Je vous avez déjà parlé de ce groupe pop d’Angleterre ici et je vais en remettre une couche !

Je crois que c’est définitivement mon ovni de l’année et les 2 clips qui suivent, parlent d’eux même.

D’abord le clip de Get Away, gentillet comme une mise en bouche :

Et à présent Holing Out. Mais attention, une sonorité très prenante et des images qui peuvent choquées (?!?) :

Et le petit bonus car on est samedi et que le samedi tout doit être possible, 3 titres faisant de partie de A-side et B-side de vinyls qu’ils sortent comme seulement Yuck sait faire ( at home ) :

A présent, je suis persuadé que vous me comprenez quand je vous dis que Yuck est l’ovni de 2011…